Musical Forms

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Délécraz Cyril - One of the best experts on this subject based on the ideXlab platform.

  • The gesture’s parameterisation in scenic Musical Forms : Example of contemporary music theatre : state of the art, historiography, analysis
    2019
    Co-Authors: Délécraz Cyril
    Abstract:

    Au cours du XXe siècle, le geste est progressivement devenu un paramètre de composition Musicale dans les répertoires de tradition savante occidentale. Les avant-gardes (Dada, futurisme, Bauhaus, expressionnisme, etc.) sont à l’origine du concept de performance tandis que le bruitisme élargit le domaine des sons esthétiquement audibles. Rejetant le grand opéra romantique et tous ses attributs (technique de chant lyrique, suprématie du texte dramatique sur la musique, fosse d’orchestre, illusion de la réalité, opulence orchestrale, entractes, etc.) les compositeurs ressentent le besoin de s’exprimer autrement, tandis que la capacité de renouvellement du système tonal s’étiole. Ils définissent de nouvelles formes Musicales scéniques dans un cadre dicté par la performance et selon une nouvelle conscience de l’écoute issue de nombreuses expérimentations réalisées en studio. C’est au lendemain de la seconde guerre, c’est-à-dire lors de l’avènement de la musique concrète, que la voix s’impose non plus seulement comme le vecteur de la parole mais également comme un générateur de sons, que l’espace scénique se vide de l’interprète et que, en retour, certains compositeurs (Mauricio Kagel, Dieter Schnebel, Luciano Berio, John Cage, pour ne citer qu’eux) proposent des pièces hybrides où la musique côtoie la diction d’un récitant, la pantomime ou l’action théâtrale sans que l’une des composantes ne prenne constamment le dessus sur les autres. Selon une approche empirique du corps médiatisé par le truchement de la captation vidéo (sur un corpus s’étalant de 1960 à 2016), il est possible de mettre en lumière des contrepoints d’informations provenant de plusieurs éléments des performances enregistrées (musique, gestes, déplacements, lumière, etc.), qui construisent en fin de compte une réalité signifiante pour l’auditeur-spectateur. En analysant directement les oeuvres performées, il apparait que le geste est en effet un élément structurel de caractère spectaculaire qui participe à la création de formes discursives et, par-là, il constitue un élément indispensable de la réception. En se focalisant sur la paramétrisation du geste, le présent travail apporte un premier élément de réponse à la question suivante : comment la performance Musicale, dans son aspect vivant, intègre le geste et comment celui-ci influe-t-il la forme ? Il espère ainsi ouvrir la voie à une musicologie du théâtre Musical contemporain.Over the course of the 20th century, gesture gradually became a parameter of Musical composition in the repertoires of the Western classical tradition. The avant-garde (Dada, futurism, Bauhaus, expressionism, etc.) is at the origin of performance concept while noise music broadens the field of aesthetically audible sounds. Rejecting the romantic opera and all its attributes (lyrical singing technique, supremacy of the dramatic text over music, orchestra pit, the illusion of the reality, orchestral opulence, intermissions, etc.), composers feel the need to express themselves differently, while the capacity for renewal of the tonal system wanes. They define new scenic Musical Forms in a framework dictated by performance and in accordance with a new awareness of listening resulting from numerous experiments carried out in the Musical studios. After World War II, with the advent of concrete music, the voice became not only the vector of speech but also a generator of sound, the scenic space was rid of the performer and, in return, some composers (Mauricio Kagel, Dieter Schnebel, Luciano Berio, John Cage, to name but a few) offered hybrid pieces where music is combined with the diction of a narrator, pantomime or theatrical action, without one component constantly getting the upper hand. According to an empirical approach to the body mediated through video recording (based on a corpus stretching from 1960 to 2016), it is possible to highlight counterpoints of information from several elements of the recorded performances (music, gestures, movements, light, etc.), which ultimately construct a meaningful reality for the listener-spectator. By directly analysing the performative works, it appears that the gesture is indeed a structural element of a spectacular nature that participates in the creation of discursive Forms and, consequently constituting an indispensable element of reception. By focusing on the parameterisation of the gesture, this work provides a first element of answer to the following question: how does Musical performance, in its living aspect, integrate the gesture and how does it influence the form? In this way, it hopes to pave the way for a musicology of contemporary music theatre

  • La paramétrisation du geste dans les formes Musicales scéniques : L'exemple du théâtre Musical contemporain : état de l'art, historiographie, analyse
    HAL CCSD, 2019
    Co-Authors: Délécraz Cyril
    Abstract:

    Over the course of the 20th century, gesture gradually became a parameter of Musical composition in the repertoires of the Western classical tradition. The avant-garde (Dada, futurism, Bauhaus, expressionism, etc.) is at the origin of performance concept while noise music broadens the field of aesthetically audible sounds. Rejecting the romantic opera and all its attributes (lyrical singing technique, supremacy of the dramatic text over music, orchestra pit, the illusion of the reality, orchestral opulence, intermissions, etc.), composers feel the need to express themselves differently, while the capacity for renewal of the tonal system wanes. They define new scenic Musical Forms in a framework dictated by performance and in accordance with a new awareness of listening resulting from numerous experiments carried out in the Musical studios. After World War II, with the advent of concrete music, the voice became not only the vector of speech but also a generator of sound, the scenic space was rid of the performer and, in return, some composers (Mauricio Kagel, Dieter Schnebel, Luciano Berio, John Cage, to name but a few) offered hybrid pieces where music is combined with the diction of a narrator, pantomime or theatrical action, without one component constantly getting the upper hand. According to an empirical approach to the body mediated through video recording (based on a corpus stretching from 1960 to 2016), it is possible to highlight counterpoints of information from several elements of the recorded performances (music, gestures, movements, light, etc.), which ultimately construct a meaningful reality for the listener-spectator. By directly analysing the performative works, it appears that the gesture is indeed a structural element of a spectacular nature that participates in the creation of discursive Forms and, consequently constituting an indispensable element of reception. By focusing on the parameterisation of the gesture, this work provides a first element of answer to the following question: how does Musical performance, in its living aspect, integrate the gesture and how does it influence the form? In this way, it hopes to pave the way for a musicology of contemporary music theatre.Au cours du XXe siècle, le geste est progressivement devenu un paramètre de composition Musicale dans les répertoires de tradition savante occidentale. Les avant-gardes (Dada, futurisme, Bauhaus, expressionnisme, etc.) sont à l’origine du concept de performance tandis que le bruitisme élargit le domaine des sons esthétiquement audibles. Rejetant le grand opéra romantique et tous ses attributs (technique de chant lyrique, suprématie du texte dramatique sur la musique, fosse d’orchestre, illusion de la réalité, opulence orchestrale, entractes, etc.) les compositeurs ressentent le besoin de s’exprimer autrement, tandis que la capacité de renouvellement du système tonal s’étiole. Ils définissent de nouvelles formes Musicales scéniques dans un cadre dicté par la performance et selon une nouvelle conscience de l’écoute issue de nombreuses expérimentations réalisées en studio. C’est au lendemain de la seconde guerre, c’est-à-dire lors de l’avènement de la musique concrète, que la voix s’impose non plus seulement comme le vecteur de la parole mais également comme un générateur de sons, que l’espace scénique se vide de l’interprète et que, en retour, certains compositeurs (Mauricio Kagel, Dieter Schnebel, Luciano Berio, John Cage, pour ne citer qu’eux) proposent des pièces hybrides où la musique côtoie la diction d’un récitant, la pantomime ou l’action théâtrale sans que l’une des composantes ne prenne constamment le dessus sur les autres. Selon une approche empirique du corps médiatisé par le truchement de la captation vidéo (sur un corpus s’étalant de 1960 à 2016), il est possible de mettre en lumière des contrepoints d’informations provenant de plusieurs éléments des performances enregistrées (musique, gestes, déplacements, lumière, etc.), qui construisent en fin de compte une réalité signifiante pour l’auditeur-spectateur. En analysant directement les oeuvres performées, il apparait que le geste est en effet un élément structurel de caractère spectaculaire qui participe à la création de formes discursives et, par-là, il constitue un élément indispensable de la réception. En se focalisant sur la paramétrisation du geste, le présent travail apporte un premier élément de réponse à la question suivante : comment la performance Musicale, dans son aspect vivant, intègre le geste et comment celui-ci influe-t-il la forme ? Il espère ainsi ouvrir la voie à une musicologie du théâtre Musical contemporain

Krishna C. Persaud - One of the best experts on this subject based on the ideXlab platform.

Mallet Julien - One of the best experts on this subject based on the ideXlab platform.

  • « Stars de la côte » à Madagascar : mobilités, musiques et identités (re)composées
    'OpenEdition', 2023
    Co-Authors: Mallet Julien
    Abstract:

    A Madagascar, des musiques auparavant exclusivement régionales sont depuis quelques années diffusées à l’échelle nationale. Un des changements notables dans les représentations réside dans le passage de référents identitaires liés aux appartenances régionales et/ou ethniques à des référents (assignés par les médias de la capitale) appartenant à un registre globalisant : « musiques mafana » (“chaudes”). Des artistes, pris dans cette catégorie, ont migré à la capitale et construisent de nouvelles formes Musicales associant répertoires régionaux ou ethniques et formes modernes internationales, notamment en affirmant et revendiquant une appartenance « Black » par des emprunts à des genres musicaux africains et nord-américains modernes. Ce phénomène renvoie à des imaginaires multiples. Il est, entre autres, à comprendre dans un contexte de relations interethniques au niveau national, héritées du système colonial et mobilisant des représentations stéréotypées entre « merina » (groupe ethnique historiquement dominant, de la capitale) et « côtiers ». L’article s’attache à analyser les processus de réappropriation en « positif » de ces stéréotypes et l’articulation du phénomène à de nouvelles mobilités régionales et internationales à travers des réseaux « communautaires » qui se mettent en place via la diaspora et Internet (YouTube, Facebook).In Madagascar, Forms of music that were initially exclusively regional have recently started to spread to the national level. One noteworthy change in representations lies in the shift from identity markers linked to regional and/or ethnic belonging to markers (assigned by the media from the capital city) related to a globalising register: “mafana [hot] music”. Artists within this category have migrated to the capital and construct new Musical Forms combining regional or ethnic repertoires with modern international Forms, in particular by asserting and laying claim to a “Black” identity by borrowing from modern African and North American Musical genres. This phenomenon is linked to multiple imaginaries. It can be understood within a context of inter-ethnic relations at the national level, inherited from the colonial system and mobilising stereotyped representations between the “merina” (the historically dominant ethnic group from the capital city) and “côtiers” (those living on the coast). This article attempts to analyse the processes of “positive” re-appropriation of these stereotypes, as well as the link between the phenomenon and new regional and international mobilities thanks to “community” networks established via the diaspora and the internet (YouTube, Facebook)

Blanco-hernández Uvencio - One of the best experts on this subject based on the ideXlab platform.

  • ¿Transitó el ajedrez la tortuosa ruta de la seda hasta las arenas de Alejandría? / ¿Did chess travel the tortuous Silk Road to the sands of Alexandria?
    Universidad de Camagüey "Ignacio Agramonte Loynaz"., 2020
    Co-Authors: Blanco-hernández Uvencio
    Abstract:

    La expresión “Ruta de la Seda” está históricamente referida al trayecto, tanto terrestre como marino, transitado por comerciantes, artesanos, diplomáticos y militares desde el S. I a.C. Una red comercial que iba desde China en el lejano Oriente, hasta Europa, el Mediterráneo y norte de África; atravesando territorios de lo que conocemos hoy como Mongolia, India, Pakistán, Uzbekistán, Persia, Arabia, Siria, Turquía, Rusia, Egipto, Somalia y otros del cercano Oriente. A través de esta malla comunicante no solo se comercializaba seda sino otras especies y productos valiosos y exóticos para los europeos. Pero también transitaban bienes de perfil inmaterial tan importantes como las creencias, tradiciones, filosofías, religiones, tendencias políticas, formas Musicales, literatura, expresiones artísticas y juegos; muy probablemente entre ellos, el ajedrez. Y, precisamente fueron estos productos culturales intangibles, los que imprimieron un sello indeleble en tales civilizaciones y las que de ellas se generaron posteriormente. A tal efecto, presentamos un bosquejo histórico de las hipótesis más consistentes respecto al origen del juego de ajedrez; propuestas que llamaremos china, india, persa, árabe, egipcia e irlandesa, respectivamente. ABSTRACT The expression "Silk Road" is historically referred to as the route, both by land and by sea, traveled by merchants, craftsmen, diplomats, and the military since the 1st century BC. A commercial network that went from China in the Far East, to Europe, the Mediterranean and North Africa; crossing territories of what we know today as Mongolia, India, Pakistan, Uzbekistan, Persia, Arabia, Syria, Turkey, Russia, Egypt, Somalia and others of the Near East. Through this communication mesh not only silk was commercialized but other species and valuable and exotic products for the Europeans. But also, there were goods with an immaterial profile as important as the beliefs, traditions, philosophies, religions, political tendencies, Musical Forms, literature, artistic expressions and games; most probably, among them, chess. And it was precisely these intangible cultural products that gave an indelible stamp to such civilizations and to those that were generated from them later on. To this end, we present a historical outline of the most consistent hypotheses regarding the origin of the game of chess; proposals that we will call Chinese, Indian, Persian, Arab, Egyptian and Irish, respectively

J Cronly-dillon - One of the best experts on this subject based on the ideXlab platform.

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